Testigos de la ciudad. Activismos políticos y culturales en la Comunitat Valenciana (c. 1970-2016)

Texto curatorial para el proyecto expositivo Testigos de la ciudad, IVAM. Del 6 de octubre de 2016 al 2 de abril de 2017.

“Para recordar hay que imaginar.” Georges Didi-Huberman

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La visibilidad de una situación concreta es el principal punto en común entre diferentes grupos y colectivos, que hicieron de ciertas circunstancias y de los sucesos relacionados su motivo de lucha. Las reivindicaciones recogidas en esta muestra son una parte importante de lo acontecido en el contexto del territorio valenciano (indefinido incluso en su nomenclatura: de Región Valenciana a Comunitat Valenciana, pasando por la ilusión efímera de País Valencià o sobre las ruinas de un mitológico Reino de Valencia) desde los primeros años de la década de los setenta del siglo XX hasta nuestros días. La ambición de la muestra se topa con una serie de límites fácilmente entendibles, convirtiendo el proyecto más en una posibilidad de debate e investigación, que en un resultado completo y acabado. Este texto quiere expresar de manera concreta que esta muestra documental no traza una crónica enciclopédica de lo que aquí y desde entonces ha ocurrido, sino más bien pretende desentrañar y entender la relación de enfrentamiento y amplio desacuerdo entre el poder y ciertos colectivos ciudadanos.

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Una bandera, todas las patrias

Texto incluido en el llibret de Falla Mossén Sorell-Corona, con motivo de la intervención de Javier Jaén Pàtries de nailon. Marzo de 2016.

Falla Mossén Sorell Corona

En la perspectiva que ofrecen las últimas décadas, el arte público ha planteado nuevas propuestas que introducen el hecho urbano como una parte inseparable de su estar en el mundo. Este estar en el mundo afecta al modo como se ofrece a sí mismo, a la posibilidad de continuar generando vías de conexión entre los entramados públicos, y por lo tanto políticos, y su vinculación al contexto artístico, tanto de manera sutil y tangencial evitando un posicionamiento explícito, como palpable, en tanto que el arte siempre que se muestra es político. Pensarse como arte por un lado, pero surgiendo de, o generándose a partir de las cosas que ocurren en las calles, por otro, es el reto al que siempre se ha enfrentado, sin por ello dejar de ser lo primero y comportarse, por su contexto natural, también como lo segundo.

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Posicionamiento gráfico

Texto realizado con motivo de la publicación Ibán Ramón. Posicionament gràfic. IVAM.

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Cada trabajo gráfico ofrece una nueva posibilidad de afrontar retos, de aspirar a transformar pequeños detalles cotidianos en elementos definidos que se instalen tal vez para siempre en el uso colectivo; hacer más cómodo y funcional el día a día, especialmente en espacios urbanos donde las capas de información y disputa se superponen con total normalidad y asimilación. Esta pretensión óptima no siempre puede cumplirse, es cierto, ya que se enfrenta a problemas logísticos, clientelares, económicos… pero persiste en cada intento nuevo como si llevara implícito en su labor la necesidad de reinventarse y actualizarse para seguir siendo. La contribución del diseño gráfico al relato urbano de las ciudades tiene numerosos ejemplos y no está exento ni de complicidades con la ciudadanía, ni de complicaciones al respecto de su apropiación de elementos simbólicos, emocionales, sentimentales o identitarios.

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El rostro en el cine es una pantalla latiendo

A propósito de los filmes El jurado y La décima carta, de Virginia G. del Pino. Publicado en input magazine #5. Febrero de 2016. Con motivo de Cine por venir 3ª edición, Valencia, 2015.

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Desde el principio del filme El jurado (2012) se intuye que la intención de Virginia García del Pino (Barcelona, 1966) será mantener la mirada fija, inmutable, hasta que nosotros pestañeemos o desviemos la nuestra hacia otro punto. La película muestra primerísimos planos en picado de los rostros de varios miembros de un jurado popular mientras escuchan al acusado, a la defensa, al juez. La textura de la cinta está llena de ruido y de hastío, y parece confeccionada con los entretiempos que hilvanan la vida común –dentro de la acción nada corriente– de un juicio. No hay concesión alguna al espectador, que deberá entrar dentro de este paisaje desolador y monótono si quiere conocer la historia que le permita encontrar una salida, por más que ésta no será, posiblemente, la esperada. En concreto, nunca habrá un contraplano que devuelva la mirada de los miembros, los más jóvenes, de ese jurado popular.

Por temática o por similitud formal, El jurado se sitúa en un terreno fructífero entre el documental y el cine de autoría, con vinculaciones conceptuales al videoarte y una sobriedad radical en el uso del lenguaje cinematográfico que le hace ir más allá de una gran mayoría de películas que, pretendiendo ser radicales, no dejan de caer en soluciones formalistas. El retrato es el gran tema del cine; aquello que, al margen de las historias y los estilos, traza una línea subcutánea que enlaza obras tan dispares como La pasión de Juana de Arco de Dreyer, el neo-realismo italiano, los Rostros de Cassavettes, Persona de Bergman, cualquier personaje descubierto por Pasolini o desarrollado por Kiarostami… y que traza conexiones rizomáticas sin final ni destino preciso. Desde un punto de vista temático, El jurado se puede vincular, aunque de manera bastante laxa, con los documentales de Raymond Depardon sobre el estado judicial o el De nens de Joaquim Jordà, donde sin embargo coge impulso para lanzarse a un vacío sin red ni esperanza de encontrarla, pues todo lo que tiene que ofrecer parece hacerlo sin pensar en absoluto en el espectador.

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Diseñar hasta hacer desaparecer el gesto

Texto con motivo de la exposición Secció editorial de Aplec de disseny. 30 octubre – 11 diciembre 2015. BOILER ROOM Galería Luis Adelantado.

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Si pudiera imaginarse un enunciado que implicara una contención a la acción que solicita, sería algo parecido a preguntar cómo escribir un diálogo sin que parezca que está escribiéndose o ya está escrito, casi exento de retórica; cómo actuar sin notarse los recursos propios que los actores y actrices toman prestados de la tradición del teatro o del cine; cómo filmar una escena donde la cámara y el equipo detrás de ella pareciera que no están allí en esa sucesión de instantes decisivos… y, del mismo modo, cómo diseñar sin que parezca que se diseñe y, sin embargo y esto es lo más importante, donde la contención y así pues su gesto derivado, sea incluso mayor que en el caso en que se diseña sabiéndose que se hace y donde se nota el gesto del diseño. Porque el diseño ha vivido y se ha hecho fuerte precisamente en la retórica de sus gestos, en los excesos de sus acciones notorias. Y en este caso pretendería un grado cero del diseño que es perceptiblemente una ilusión convertida en relato de una práctica.

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“Claves del arte del siglo XX”. I Curso Entender el arte.

Primera parte de la ponencia Claves del arte del siglo XX, primera sesión del primer curso Entender el arte. IVAM, octubre de 2015.

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Primera Sesión: Claves del arte del siglo XX
A cargo de Álvaro de los Ángeles, Subdirector General de Actividades y Programas Culturales del IVAM

La difusión del arte moderno y contemporáneo es una premisa fundamental del IVAM, puesta en práctica a través de exposiciones, actividades, talleres de artistas, seminarios, ciclos de cine o vídeo y diferentes líneas pedagógicas que incluyen recorridos guiados por las exposiciones temporales o de la colección, talleres escolares y actividades familiares. El curso Entender el arte propone por primera vez dentro del IVAM una serie de conferencias de carácter divulgativo impartidas por conservadores del museo que recorra, de forma cronológica, los aspectos conceptuales y las tendencias artísticas características del arte desde el inicio del siglo XX hasta la actualidad. El curso se compone de un total de 15 sesiones entre los meses de octubre de 2015 y junio de 2016.

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El otro lado del tiempo

Texto incluido en la publicación Cadáveres exquisitos. Intervenciones sobre obituarios de periódicos 2001-2014, de Txuspo Poyo.

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Porque el tiempo es una amenaza que siempre cumple su pronóstico, la cultura ha luchado –y sigue luchando– contra él. Lo saben los cineastas, o al menos, algunos de ellos. Andrei Tarkovski esculpió con el tiempo una obra concisa y exquisita donde cada segundo posee la duración simbólica de una eternidad. Y Naomi Kawase se aferró al cine cuando descubrió cómo el tiempo se escapa indefectiblemente de las manos, como un oro líquido. La cámara se convierte entonces en un sujeto que prolonga la mirada del cineasta, y sus respiraciones se acompasan. Kawase relata la experiencia de la primera vez que escuchó funcionar su cámara súper8, y la compara con una respiración. Aquello que tenía en sus manos era un sujeto que respira cuando tú decides que lo haga. Un poder inmenso que comprime el tiempo en una cápsula de mirada individual y documentada.

Pensar en Iván Zulueta es hablar de ese prodigio de entusiasmo que es Arrebato (1979), ejemplo icónico de un cine realizado en España de manera precisa y amateur, una combinación nada sencilla ni tampoco prodigada o incentivada, salvo quizás ahora en el etiquetado como “nuevo cine español” que, básicamente, son buenas ideas realizadas con un presupuesto ajustado y recursos básicos, a medias entre lo artesanal y lo artístico, y con un gran conocimiento visual del cine y su vinculación con la vida. Esa combinación de elementos Zulueta supo exprimirlos de manera arrojada e inteligente varias décadas antes, añadiendo además un componente epistemológico: lo espectral que cualquier imagen proyectada o en movimiento posee y las sensaciones posteriores que genera. Una conexión entre diferentes realidades que lucha por convertir lo importante en objeto, no tanto en imagen; como si la imagen en movimiento fuera demasiado volátil como para certificar su presencia más allá de la memoria.

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