Mar García Albert: Pintar sin pintura sí es pintura

Texto escrito con motivo de la exposición Sin Título,  de Mar García Albert en Espai Tactel, Valencia.

La relación entre vida y arte es una pieza que consta de dos caras inseparables. En apariencia, la visión de una implica que la otra quede oculta; pero la realidad las hace más permeables y aquello que ocurre en el reverso emerge en el anverso, y viceversa, contaminándose de las experiencias, los colores y los humores que acontecen tras su aspecto formal. Si la forma es la cuestión que posibilita que el arte exista y subsista, el tiempo es quien planifica todo lo que ocurre en la vida. De ahí que el tema del tiempo sea el gran motor del arte, lo que permite esa lucha en contra de lo inevitable construyendo posibles y generando posibilidades de transformación de la realidad.

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Bestiario del yo y el ello

Publicación con motivo de la exposición de Joan Verdú Simple Images en Neilson Gallery, Grazalema, Cádiz. Del 24 de julio al 28 de agosto de 2010.

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«Un artista es alguien que produce cosas que la gente no necesita tener pero que él, por alguna razón, piensa que sería una buena idea darles.» Frase otorgada a Andy Warhol

Determinados autores conviven con su obra como si ésta fuera una experiencia más extraída de su vida, de ahí que resulte complejo discernir donde empieza una y qué termina construyendo la otra sobre sí, para sí y para el espectador que finalmente le otorga sentido. Ante casos como éstos, cuesta saber si la pintura es la excusa, una necesidad o el motor que genera una forma de ver lo que nos rodea y sin la cual ese proceso de traducción que es la representación, fracasaría. La pintura compete a lo real de igual forma a como éste existe sin necesidad de ella; es decir, tratando de aprehenderla constantemente, la pintura ha acabado creyendo, en la mayoría de las ocasiones, que ella es la realidad, y es bien sabido que no hay nada más alejado de lo real que un cuadro, ni más parecido a la subjetividad que la mirada de un pintor. No todos los tipos de arte se ensimisman tanto consigo mismo como lo hace la pintura, por más que la capacidad de trascender no sea tampoco mucho mayor en otros casos en los que la mirada colectiva y social se antepone a la personal y egocéntrica (aspectos ambos intrínsecos a la pintura).

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Certificado del fin de la inocencia

Texto realizado con motivo de la exposición de Martín López Lam Por si alguna vez lo olvido, recuerda no morir nunca. Galería Rosa Santos, Valencia. 9 de enero – 13 de febrero de 2010

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El autorretrato que inicia el recorrido de esta exposición es un texto dibujado sobre papel, el fondo oscurecido con tinta y las letras reservadas en blanco. No hay referencia ni información alguna de la fisonomía del autor, simplemente esta frase: “Nací un 26 de octubre de 1981 a las 6’30, o algo así”. Por lo general, los autorretratos, al igual que ocurre con las autobiografías, tratan de definir, describir, mostrar, incluso sustituir por mimesis o a través de la ficción al personaje de análisis. Mirar y leer este autorretrato implica desconfiar del mensaje; la parte final del mismo (“o algo así”) no asume el yo como un hecho incuestionable que atiende a su nacimiento, el día, la hora y la fe ciega que implica creer en ese puro avatar convertido en fecha señalada de por vida. Asimismo, genera una distancia ante el propio representado que puede verse como un descreimiento, el certificado concluyente del fin de la inocencia, el principio de la duda existencial sostenida en un momento concreto, y corregida y aumentada a lo largo de los años sucesivos.

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Joan Antoni Toledo. La pintura como cuestión, reflexión y argumento

Publicación de la exposición de Joan Antoni Toledo. Consorci de Museus de la Comunitat valenciana.

“Si yo pudiese explicar de pe a pa mis cuadros, no haría falta que los pintara. Entonces no sería un pintor, sería un literato. Hay ideas visuales explicadas por un medio visual que son más directas que la escritura, y si las racionalizas las conviertes en otra cosa. En escritura, por ejemplo.”
Joan Antoni Toledo, en una entrevista realizada en julio de 1983.

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En la cita que encabeza este texto, Joan Antoni Toledo plantea buena parte de la dicotomía entre acción y reflexión; entre el hecho de hacer algo creativo, en este caso emitido con un lenguaje visual, y la tarea (se podrá argüir que innecesaria o imprescindible) de hablar sobre ello desde una postura analítica y reflexiva. Tradicionalmente esta tarea de hablar o escribir sobre lo realizado en la práctica artística, lo que conocemos comúnmente por crítica, ha sido vista como la opinión lanzada desde un territorio a cobijo, desde el burladero donde se contempla con distancia la acción definida y, por lo tanto, entendida, como práctica (más o menos) arriesgada. Ambas actitudes suelen sentirse alejadas y sus posturas se han mostrado con frecuencia irreconciliables. Sin embargo, el comentario citado del pintor no aísla ni potencia las categorías; no enfrenta ambas posturas o ambas acciones sino que al definirlas, las diferencia. La cuestión no estaría tanto en la necesidad o en el hecho inevitable de que una de las dos sobresalga por encima de la otra, sino en su diferenciación lingüística. En el momento en que nos ponemos a pensar sobre una obra artística o una serie de ellas, experimentando más o menos una experiencia estética o un trasvase de información y conocimiento al observarlas y entenderlas, y decidimos dejar por escrito dicha reflexión, es cuando ambas acciones se distancian en su definición y en su puesta en práctica. Pero también, o así queremos creerlo, se completan; dos partes que unifican fuerzas hacia una misma dirección cognoscitiva.

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La realidad y su doble

Texto realizado para el catálogo de la exposición Alien baló sorprendido del truco, de Ernesto Casero. Galería Paz y Comedias, del 16 de enero al 28 de febrero de 2009.

Existe una relación no del todo continua, más bien esporádica, entre la realidad y lo que realmente vivimos y sentimos como real. El arte tradicionalmente se había encargado de la representación de lo que nos rodea, de hacer de enlace entre ambas percepciones hasta que, llegado un momento, constató que lo que más le afecta en tanto que lenguaje es lo más próximo, sí mismo. Por este motivo, el arte actual se afana por representar lo real, incluso por ser más real que la realidad, y al mismo tiempo, también por mirarse el ombligo de su sintaxis, regodearse en su léxico, exhibir orgulloso su gramática. Cualidades que se sintetizan en su capacidad de ser cuestión de sí mismo, una de sus principales razones de ser y que no pocas veces es asimismo cuestionada por mostrarse encriptada, o de difícil acceso para la mirada de los espectadores.

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Nico Munuera. Dejar de ser para seguir siendo

Texto realizado con motivo de la exposición No Flags. Galería Max Estrella, Madrid. 4 de septiembre – 18 de octubre 2008

Herbert Read escribía en 1957, en La décima musa: “No hay historia en un cuadro abstracto de Ben Nicholson; y en muchos otros tipos de arte moderno, la historia no es de ese tipo que se presta al explayamiento.” Susan Sontag, en 1964, en su célebre Contra la interpretación anunciaba: “Para evitar la interpretación, el arte puede llegar a ser parodia. O a ser abstracto. O a ser (“simplemente”) decorativo. O a ser no-arte. La huida de la interpretación parece ser característica de la pintura moderna. La pintura abstracta es un intento de no tener contenido, en el sentido ordinario; puesto que no hay contenido, no cabe la interpretación.”

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¿Qué pintar? ¿Por qué pintar?

Texto incluido en catálogo de la exposición Los claveles. Una aproximación a los jóvenes pintores de Sevilla. Fundación Chirivella Soriano, Valencia, 25 de abril – 7 de septiembre de 2008.

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Encabezar un texto con una pregunta puede incitar a dudar de él, de las hipótesis planteadas y las respuestas que puedan surgir de esa misma cuestión. Puede incluso orientar el análisis hacia una dirección tan determinada, que nos quedemos sin capacidad de revertir la situación o reorientarla hacia algo positivo. Decir positivo aquí, en este contexto, es hacerlo en el sentido de utilidad, algo que es beneficioso, pero no necesariamente pragmático, ni menos aún, crematístico; sino que resuelve aquello que se propone. En otras palabras, a la escritura parece que se le exige como elemento intrínseco no dejar de decir cosas y, sobre todo, que esas cosas dichas, escritas, aporten cierta comprensión sobre lo que tratan, clarifiquen. La pregunta como título o el título como pregunta en este caso, quieren asentar una actitud cuestionadora y sí, también dubitativa, aunque no dudosa en ningún sentido. Dudar de un planteamiento evita direcciones previamente establecidas, deja entrar una buena porción de azar, convierte el trayecto en un avatar incierto y abierto, donde todo es aún posible. Dudar es un paso previo y necesario en cualquier descubrimiento, por sencillo y personal que éste pueda ser. La relación entre pintura y escritura converge de lleno en su capacidad retórica como afirmación de sí mismas y como explicadoras del mundo.

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