Petra Cepková. Documentación de gestos

Publicación sobre los proyectos de Vanessa Pastor y Petra Cepková. Proyecto SETSE, Universitat Politècnica de València.

Petra Cepková. Cuentos, Stories

Ante un mismo paisaje, cada observador lo describirá de una forma distinta: habrá quien se centre en las especies naturales características del lugar y de la época del año, como un modo de asentarse en el mundo; quien entienda el progreso en la posibilidad que ofrece haber accedido hasta el lugar de forma distinta a como se accedía cincuenta años antes, más rápida y confortablemente; puede ser que una mirada madura recuerde cómo era en un momento anterior a cualquier cambio ya decisivo en su entorno, con costumbres y hábitos también diferentes… En la percepción y análisis diversa de un mismo tema encontramos una definición que viene determinada por nuestros intereses, por la educación recibida o reconstruida, por la ideología o la identidad que nos define. Ante un mismo enunciado, cada cual también lo interpreta dependiendo de sus conocimientos, del entorno del que provenga o en el que lo reciba y del modo como quiera ser aceptado o visto por los resultados obtenidos. El azar y la fortuna influyen en estas decisiones previas, así como en la consecuencia, pero una parte importante deriva de la predisposición ante el asunto mismo.

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Comer, vivir, mirar

Publicación del proyecto europeo SETSE. Exposición en el Centre del Carme CC, València. Hasta el 7 de octubre de 2010.

Vanessa Pastor. Serie The Kitchens Project
Vanessa Pastor. Serie The Kitchens Project

La película taiwanesa Yin shi nan un (Ang Lee, 1994), traducida al inglés como Eat Drink Man Woman, se distribuyó al menos en España y Argentina con el título Comer, beber, amar. La historia es una relación intensa entre un padre viudo, gran cocinero, y sus tres hijas, una de las cuales «desestabiliza» la aparente normalidad de la familia. El título de este análisis quisiera utilizarse de forma interesada para homenajear no sólo aquel filme por su estrecha relación entre alimento, pertenencia e imagen, sino sobre todo los tres elementos -suficientemente independientes como para ser analizados de forma autónoma y no necesariamente vinculados- que se erigen protagonistas principales de esta publicación: comida, fotografía y familia. En las acciones de los tres verbos empleados se establece una relación de continuidad recíproca. La acción de comer es básica para vivir y, a su vez, para poder mirar es necesario estar vivo y, por lo tanto, alimentado. Los tres componentes, podríamos decirlo así, se establecen según unos patrones de supervivencia, necesidad y seguridad.

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Un teatro sin función

Exposición de alumnos del Máster Universitario en Fotografía, Arte y Técnica, UPV. Teatro de los manantiales. 24 de junio de 2010.

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La ubicación correcta de una exposición en un espacio, entendiendo por esto al menos la elección del lugar acorde a lo que allí se mostrará y la correcta distribución de las obras presentadas, es un paso determinante para que el público entienda y valore un proyecto. En contraste con las organizadas desde museos y fundaciones, las exposiciones alternativas ofrecen la posibilidad de construir una nueva vía entre la obra y los espectadores, donde la cercanía, el discurso de lo cotidiano y la accesibilidad sustituyan el rigor histórico, los métodos ya consabidos de producción y exhibición y la distancia de seguridad obligatoria.

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Cabanyal dos visions

Cabanyal dos visions, exposición colectiva de alumnos del Máster Universitario en Fotografía, Arte y Técnica, UPV. Espai Cultural Biblioteca Casa de la Reina / Bar La Paca, El Cabanyal, Valencia. Del 16 al 30 de junio de 2010.

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La fotografía tiene muchas caras, es un poliedro cargado de memoria. Cuando se muestra como documento, es capaz de representar historias con nitidez, siempre dispuesta a generar nuevos micro-relatos desde donde poder empezar cualquier análisis semiótico o cualquier narración personal. Las fotografías antiguas amplían todavía más la posibilidad de generar un universo de historias con el solo hecho de ver a sus protagonistas, incluyendo en sus vidas imaginadas los hábitos conocidos a partir de los detalles captados por las imágenes. El valor documental de las escenas cotidianas, festivas, laborales… plantea una consciencia de ser de aquello mostrado, ayudando a la comprensión de un contexto, de una época, de unos modos de vida.

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Laberinto y repetición

Texto para la publicación En superficie de Francisco Acosta. Exposición en Sala de Arte Contemporáneo, Santa Cruz de Tenerife. Del 8 de abril al 5 de mayo de 2010.

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El arte contemporáneo sabe bien de repeticiones, de insistencias sobre un mismo punto y de resistencia. La repetición consiste en volver a incidir sobre una cuestión, hacerlo una segunda, tercera o enésima vez, verse en la tesitura de tener la posibilidad de mejorar lo realizado en una acción anterior o el intento de revivir una situación irrepetible. En cierto sentido, la validación de la autoría y del culto a la individualidad propiciado desde el entorno artístico, impulsado tanto por la exigencia del mercado como por la avidez de novedades de sus profesionales y usuarios, se asienta en una repetición planteada como necesidad urgente de coherencia: sobre un tema, con una técnica o un lenguaje expresivo concretos y dirigido hacia un fin que remarque las ideas planteadas. Cuestiones como éstas hacen que las prácticas artísticas contemporáneas se relacionen con la obsesión y la conversión del mundo propio en el prisma a partir del cual observar todo lo demás e interpretar lo externo. De ahí deriva la estrecha relación que con frecuencia se establece entre la experiencia vital del autor y su obra artística.

Las insistencias sobre un mismo punto hacen referencia a la perforación del tema principal de la obra, mientras que la resistencia sería el aguante que necesita la obra para seguir manteniendo las dos cualidades anteriores, la repetición y la insistencia. Esta triada de aspectos esenciales componen un área desde donde surgen, reposan y convergen, al mismo tiempo, gran parte de los intentos de generar obras artísticas acordes con la contemporaneidad, es decir, no conformes con su tradicional misión de representación de realidad, sino implicadas en la construcción de realidades diversas.

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Bleda y Rosa «Tipologías». Contención fotográfica

Texto sobre Bleda y Rosa para el catálogo de la exposición Desplazamientos, Generaciones 2000-2010. Premios y Becas de Arte. Obra Social Caja Madrid.

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En la serie Tipologías, la más reciente iniciada por Bleda y Rosa, se establece una estrecha relación entre los lugares o espacios fotografiados y las definiciones de las partes, elementos aislados o estancias, que podrían conformarlos. Esta relación la genera y la permite, al mismo tiempo, la arquitectura. Como en otras ocasiones en que los fotógrafos han registrado lugares cargados de historia, la mirada es plenamente subjetiva, desprendida y tangencial en ocasiones, siendo el título o el conciso texto que actúa como pie de foto lo que atestigua su pertenencia a dicho lugar. Es una de las características reveladoras del uso contemporáneo de la fotografía: su habitual y necesaria contextualización con bases informativas, documentales o incluso asertivas.

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Cinematógrafos Caro y el ocio moderno

Revista Lars, cultura y ciudad, nº17. Aportaciones modernas: Brasil, Argentina y Uruguay. Enero de 2010.

Aspecto actual de la entrada de uno de los Cinematógrafos Caro, hoy Colegio público Santa Teresa

Máquinas y puzzles
En 1910 el cine lleva quince años existiendo. De la atracción que supone en los primeros momentos posteriores a 1895 su propio mecanismo, la fascinación generada por una máquina que es capaz de reproducir un símil del movimiento real, se ha pasado rápidamente a valorar y querer contemplar los mensajes y las historias, entenderlos y dejarse seducir, emocionar y reeducarse por ellos. Una consistente traslación de la forma al contenido, o del medio al mensaje, que se extendió a otros ámbitos y ha pervivido, tal vez con una fuerza inigualable, en el arte de vanguardias y en los estilos artísticos posteriores.
De forma muy similar a como aconteció con la fotografía, el cine fue la culminación de un puzzle de encuentros desperdigados, trabajados desde diferentes puntos y del que, con no poca perspicacia mercantil y respaldo familiar, se apoderaron Louise y August Lumière, patentando una marca y, es cierto que también, un modo de visionado que ha perdurado hasta nosotros y que marcó de principio a fin el siglo XX. Como la historia a veces reescribe sus deslices, una placa que figura en el edificio donde se ubicaba el mítico Grand Café -situado en el número 14 del Boulevard des Capucines- hace justicia honrando a los otros responsables del puzzle francés: «A Reynaud, Marey, Demeny, / Lumière et Mèlies / Pionniers du Cinèma / Hommage des professionnels / a l’occasion / du cinquantenaire. 28·12·1945». Esta suerte de ajuste de cuentas convive con la inscripción clásica e igualmente merecida: «Ici le 28 decémbre 1895 / eurent lieu / les primières projections publiques / de photographie animé / a l’aide du cinématographe / appareil inventé par les frères Lumière». En la actualidad, en el bajo comercial de este edificio se halla una tienda de la multinacional de ropa juvenil Gap y a unos metros de allí otro café, de nombre Le Gran Café des Capucines, juega al despiste con el nombre y renombre del original. La entrada actual a lo que fue el Salon Indien, la sala donde se proyectaron los diez cortos en esa mítica fecha, es el restaurante de un hotel que posee una cafetería llamada Lumière. Se cierra de esta forma el círculo de las referencias y las citas a un acontecimiento histórico que, sin ser la primera proyección cinemática, sí devino definitiva para entender el cine moderno y su correlación contemporánea.

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