La supervivencia como una de las bellas artes. Sobre “Teoría de la retaguardia”

Publicado en suplemento Posdata Levante-EMV. Sábado 2 de febrero de 2019.

La premisa de este libro es directa: parte de La teoría de la Vanguardia, de Peter Bürger (1974) para dar un salto en el tiempo y provocar una relectura del concepto de lo contemporáneo en el arte. Si en el libro del pensador alemán la cuestión que destilaba de la vanguardia era la relación del arte con la vida, alterando para siempre el cometido representacional del arte, el escritor cubano Iván de la Nuez (La Habana, 1964) expone la tesis de que la pertenencia actual a la retaguardia implica una simbiosis de la obra artística con la supervivencia. Pero esto es sólo el principio, un eslogan que engancha, un planteamiento irrebatible, porque el libro es mucho más. Se estructura en cinco capítulos-tema que van desgranando gran parte del imaginario de De la Nuez previamente definido o indicado en libros como Postcapital. Crítica del futuro(2006), Inundaciones(2010) o incluso La balsa perpetua (1998) y El mapa de sal (2001). Asimismo, este imaginario se ha mostrado, “por otros medios”, y a lo largo de dos décadas, en sus proyectos curatoriales primero como director de La Virreina-Centre de la Imatge (2000-2009) y Jefe de Actividades culturales del CCCB (2009-2011), y después como curador independiente.

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Afán depredador. Sobre “Los asquerosos”

Publicado en suplemento Posdata Levante-EMV. Sábado 12 de enero de 2019.

La literatura es siempre un escape. La ficción, más o menos derivada y siempre deudora de la vida de quien la escribe, permite atajos y vericuetos que no se tomarían en la vida real o que en otro ámbito serían improcedentes. Pese a esta voluntad escapista elegida, no es usual toparse con libros escritos por el puro gusto de hacerlo, como es Los asquerosos, donde además se emplean palabras pocas veces usadas, en un fantástico equilibrio entre la verborrea propia del argot de barrio, el empleo de cultismos populares característicos del ámbito rural, y los neologismos que adoptamos desde el primer minuto, como el polisémico “mochufas”, o “mochufismo”, que definen una manera burda de estar en el mundo y de comportarse con tus semejantes y el entorno. En realidad, estos conceptos adquieren la superficie pulidísima de los espejos y nos devuelven nuestros gestos y conductas, nuestra actitud colonizadora, con una claridad que nos vuelve, en el mejor de los casos, más atentos; pero que también nos obliga a mirar, en no pocas ocasiones, hacia otro lado por pudor propio o vergüenza ajena.

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Exponerse dentro. Sobre los ‘Private Diaries’ de Fito Conesa y Michael Roy

Texto realizado para la exposición Secret Diaries, de Fito Conesa y Michael Roy. Espai Tactel Toormix, Barcelona. Hasta el 1 de febrero de 2019

En un texto reciente, Amador Fernández-Savater relata que, durante las experiencias del 15M y la lista sinfín de preguntas que se lanzaba a sí mismo sin hallar respuestas sencillas, un amigo le recordó las palabras de Herodoto: “Escribo lo que no entiendo”. Escribimos sobre lo que creemos conocer, y seguramente sobre ese tipo de temas y cuestiones lo hacemos mejor, sin duda; por lo que tiene de cercanía y, al mismo tiempo, por la confianza que nos da aspirar a conocernos. Es un reto que ansiamos alcanzar y es una motivación extra intentar conseguirlo, pero es verdad que escribimos sobre lo que no entendemos. En momentos de grandes cambios, como el paso de la adolescencia a la edad adulta, tras una ruptura sentimental, con el subidón de endorfinas de un reciente enamoramiento o tras una novedad importante en nuestras vidas, surge la necesidad de relatar esas experiencias que nos transforman, poniéndonos en el centro mismo del análisis. Hay un hedonismo convertido en cultura, en gesto, en ausencia incluso.

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Virginia García del Pino. Cine para un nosotros

Fragmento del texto publicado en Revista Concreta nº 12. Otoño de 2018.

Existe una desproporción natural entre la expectación sobre el evento y el evento mismo, salvo en las ocasiones donde aquello que sucede aparece sin previo aviso. Sólo en esos momentos los medios de comunicación parecen perder pie, no controlar la situación. Emergen entonces necesitados de resituarse dentro del tablero de acción que normalmente controlan con precisión y donde cada información es tratada a partes iguales como enunciado de un hecho real y como relato ficticio acomodado a sus intereses mediáticos. En los últimos tiempos, las redes sociales han ocupado el lugar de la inmediatez absoluta, desestabilizando con claridad la posición de privilegio del cuarto poder, pero sin debilitar su primacía, al menos de momento, en el tablero económico de la comunicación.

La sociedad del espectáculoque definió Guy Debord hacía referencia a un momento donde se estaban triturando los contenidos de un mundo sólido para ofrecerlos como píldoras masticables. Los grandes relatos se derrumbaron tras la imposibilidad de mantener su argumentario en tanto en cuanto definidores de un mundo por venir. Podían mirar a través del retrovisor de la historia y discernir y explicar lo ocurrido hasta entonces, pero se demostraban inefectivos cuando se les exigía avanzar hacia adelante incluso aunque fuera para prever su repetición cíclica. Esta apreciación quedó todavía más patente en sus Comentarios sobre la sociedad del espectáculocasi treinta años después, donde la economía ya había engullido o transformado cualquier otro ámbito de la sociedad o la cultura con una mínima posibilidad de ser mercantilizado. Un nuevo escenario que fundió los dos anteriores y que Debord definió como lo “espectacular integrado”. Fue una fase previa a la licuación posterior de la sociedad, acuñada por Zygmunt Bauman como líquida, que ha desembocado en la virtualidad total de las pantallas táctiles, donde cualquier fallo de sus sistemas internos deja sin sentido el archivo almacenado en su interior y, por derivación, también nuestras propias vidas y trabajos, dos conceptos cada vez más inseparables. Asimismo, estos tiempos se definen por las impecables texturas de “lo pulido”, según la denominación de Byung-Chul Han, que “no ofrece resistencia alguna”. Y, en efecto, la sociedad actual se cuantifica por lo que fluye, no por aquello que plantea una tensión o una resistencia; por los likesque alcanza en lugar de por la dialéctica que genera.

Texto íntegro en Editorial Concreta

Esther Ferrer. Un cuerpo femenino idea y atraviesa un espacio en un tiempo no estipulado

Texto realizado con motivo de la exposición Entre intimidad y exhortación, de Esther Ferrer, en espaivisor. Hasta el 18 de enero de 2019

Hay una combinación natural entre cuerpo y espacio que lo performático incluyó para siempre en la representación característica del arte, que se bastaba hasta entonces con las dos y las tres dimensiones para representar lo externo o para construir relatos surgidos de lo real, incluyendo dentro de sí la más radical iconoclastia. Poner el cuerpo y recorrer un espacio, o simplemente ocuparlo, añade el tiempo a la representación artística, que deja de ser sóloeso, realidad representada, para construir un momento real. Las acciones, por otro lado, rompen con la univocidad de la autoría y del yo, al tiempo que cuestionan el fetichismo artístico, pues su obra resultante, en el mejor de los casos, deviene registro de la acción; pero el tiempo de su observación es otro bien distinto, desaparece elpresente para convertirse en unpresente. Mientras lo determinado incluye un nosotros en el tiempo cuando ocurre, lo indeterminado lo convierte en resultado, en mercancía. En este sentido, tiempo y espacio convergen para construir otra cosa que no depende exclusivamente de uno o de otro, sino de la indivisible presencia de ambos, adquiriendo la personalidad propia de los números primos, que sólo pueden dividirse por la unidad y por ellos mismos.

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Palabras para un texto hecho de imágenes

Fragmento del texto incluido en la publicación derivada del Seminario Memoria y desacuerdo: políticas del archivo, registro y álbum familiar. Programa VISIONA, Diputación de Huesca, 20-22 octubre de 2016. Director: Pedro Vicente Mullor

 

El arte visual asume con facilidad la vida de otras artes, de las ciencias más variadas y de casi cualquier otra cosa que pueda ser mostrada, ocupada, explicada o deconstruida. Es vampírico y necesita la sangre de “la novedad”, esa búsqueda que, como se decía en el filme Les enfants du Paradisde Marcel Carné, “es vieja como el mundo”. El arte visual utiliza imágenes para desgranar lo no dicho y, paradójicamente, como en un salto sin red, necesita de la palabra para delimitar su siempre balbuceante traducción visual en texto. Demasiado explícito resulta pueril; demasiado críptico, repele a un buen número de espectadores. Las palabras que lo cuentan, incluso que lo escriben, caen en ocasiones en el exceso exegético, difundiendo no sólo lo que puede que esté implícito, sino también todo aquello que no debiera ser desvelado.

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Entrevista a Daniel G. Andújar: “Exponer en el Centre del Carme es volver al IVAM”

Publicado en Posdata, suplemento cultural de diario Levante-EMV, sábado 20 de octubre de 2018

Daniel G. Andújar (Almoradí, 1966) es uno de los artistas más internacionales de su generación, y un referente ineludible del arte político que reta al poder empleando sus mismas estrategias de control. Tras exponer en el Reina Sofía en 2015 y participar en documenta14 el año pasado, muestra en el Centre del Carme a partir del 27 de octubre una selección de proyectos que abarcan el periodo 1989-2018 bajo el título genérico Sistema Operativo. Colecciones. Una visión retrospectiva organizada en cooperación con La Virreina-Centre de la Imatge y el Reina Sofía.

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