Política de gestos y de vida

Texto realizado con motivo de la exposición Política de gestos y de vida, en Galería Espai Visor, a partir de obras de Colectivo C.A.D.A., Lotti Rosenfeld y Fernando Bryce.

De manera precisa, el arte ayuda a entender el entorno y su contexto incluso en los casos en que no pretende ser social ni político. Cuando, en cambio, su fundamentación y finalidad son netamente políticas, esta comprensión de lo que nos rodea deviene en desvelamiento de aquello que los poderes fácticos intentan esconder. La función de las/os artistas que actúan políticamente no es de representación de una actividad artística, sino de construcción de una realidad que compite con la oficialidad de su oponente, por lo general defendida por gobiernos limitadores de la libertad, o ausentes de memoria o de autocrítica. Cuando adolecen de desmemoria, suele haber entremedio gobiernos autoritarios o que aún responden de manera refleja a ellos, como una inercia prolongada en el tiempo; cuando lo que les falta es autocrítica, se deduce que sus procesos democráticos todavía están en fase de alcanzar su madurez.

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Rosana Antolí. Cuerpos que oscilan y objetos que piensan

Texto realizado con motivo de la exposición Art contemporani de la Generalitat Valenciana. Primers moments, Centre del Carme Cultura Contemporània-CCCC

En las piezas artísticas donde el público puede interactuar, el juicio de la mirada es sustituido o, al menos, compartido en su exigencia, con el de la acción. Si la obligatoriedad de adquirir una opinión propia supone, muy a menudo, un reto para quien la percibe y mira, demandar una acción rompe la distancia de la contemplación para devenir acto. Y no cualquier tipo de público podría darsetanto a una instalación como para formar parte de ella, otorgando a su implicación por lo tanto un posicionamiento crítico. Al menos desde Duchamp, se ha asumido que quien acaba de completar una obra de arte contemporáneo es quien la observa. Sin alguien que la mire y la piense, esa obra permanecerá en silencio, será un objeto que espera, no un cuerpo que respira o se expone verdaderamente. Así pues, la exigencia de quien observa se halla en esta ocasión ampliada por la posibilidad de ser parte activa de la obra.

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Joan Verdú juega y gana

Texto realizado con motivo de la exposición Bonus Track. Verdú, en Centre Cultural La Nau – Universitat de València – Sala Martínez Guerricabeitia. Comisaria: Mavi Escamilla

Cero

Cada obra de Joan Verdú lleva adosada una doble mueca. Hecha desde quien crea e imagina situaciones nuevas, se erige en estilo; expresada por quien la contempla, deviene experiencia. Casi siempre esta mueca es algo parecido a una sonrisa irónica que intenta no ser captada o anunciada nunca del todo. Lo políticamente incorrecto se combina con lo erótico; el juego de palabras entre expresiones coloquiales y marcas comerciales hace guiños a la Historia del arte; la cultura popular se sube a lomos de lo establecido como Cultura en mayúsculas… y siempre, entre medias y por encima de todo, está el texto. Éste aparece como caligrafía, una suerte de tipografía Verdúinconfundible y propia de un escribano de lo lúdico que rotula de manera precisa, aportando la narración contada (palabras y expresiones cortas escritas en diferentes idiomas) a la mostrada con colores y símbolos.

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Damos vueltas en la noche y somos devorados por el fuego

Texto incluido en la publicación de Falla Mossén Sorell-Corona, con motivo de la falla de Fermín Jiménez Landa Salvar el fuego.

Damos vueltas en la noche y somos devorados por el fuego[1]

La iconoclastia en el arte moderno y contemporáneo se puede interpretar como un estilo y una necesidad. La necesidad porque, sin ella, las vanguardias no habrían alcanzado su nivel de búsqueda y alcance de lo radical: romper desde la raíz con lo anterior para inventar otra cosa que a su vez fuera desgajada por lo siguiente, inmersas en una suerte de revolución cíclica que engulle, deglute y defeca para poder iniciar de nuevo un proceso idéntico. El estilo, porque gracias a esta perversión de lo visual en contra de sus propias creaciones, nunca se llegará a alcanzar la zanahoria colocada delante de nuestras ambiciones, y el derroche creativo sigue reformulando preceptos ya dichos, e inventando aquellos todavía por nombrar.

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La acción y su registro. Radicantes

Epílogo realizado para la publicación Radicantes: danza y otras especies, IVAM. Editado por Mireia Ferrer, Rocío Pérez, Tatiana Clavel y Cristina Andreu.

En Five Easy Pieces(1966-68), Yvonne Rainer condensa el gesto sutil y mínimo de una mano, de un balón de voleibol rodando sobre el suelo o chocando contra las paredes de un rincón, con el registro pragmático, contenido, de cada acción. La posible intención de estas piezas cortas parece clara: mostrar aquello que nombran con su título, en una clara tradición conceptual de evitar una interpretación mayor. Nombrar aquello que se ve o se muestra no siempre responde a lo esperado. La tendencia a desarrollar la interpretación de las imágenes nos ha llevado a buscar sin descanso qué poder decir más de aquello que vemos, de lo que se nos ofrece; como si el gesto, el movimiento, por sutil, básico o simple que sea, no fuera en sí el motivo por el que se grabaron esas imágenes. Sin embargo, nombrar únicamente aquello que pasa y no incurrir en el deseo exegético de decir o mostrar más de lo que hay, demuestra una actitud de concisión que se antoja la principal finalidad de ese gesto.

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Uno, y dos dones

Texto realizado para la publicación Carlos Maiques. Crónicas de bolsillo, editado por Anja Krakowsky.

El don no se intercambia por nada. Se posee y se ofrece libre, sin pedir nada material a cambio, ni prepararse como en un ritual místico o de exhibición pública. El don no es tanto la posesión de sí, como su puesta en práctica en los otros. Representa el método por el que entendemos que, quien lo posee, lo tiene y lo comparte. Hablando de Jacques Derrida, analizando su concepto de don, Geoffrey Bennington dice que “hay que intentar pensar en el don antes del intercambio, y en la ley antes del contrato, para acercarse a la cosa”. Y, más adelante: “Si la esencia del don es no ser objeto de intercambio, vemos que, hablando estrictamente, se anula como tal”. Y, siguiendo con la reflexión, “para que el don esté limpio de todo movimiento de intercambio, debería pasar inadvertido por el receptor. Debería no recibirse como don, no ser un don en absoluto” (…) “aquí está implícita toda una complicación de la temporalidad: el don no está nunca en el presente; se da en un pasado que nunca ha sido presente y se recibe en un futuro que tampoco será presente jamás”. (Derridabase)

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Una bandera, todas las patrias

Texto incluido en el llibret de Falla Mossén Sorell-Corona, con motivo de la intervención de Javier Jaén Pàtries de nailon. Marzo de 2016.

Falla Mossén Sorell Corona

En la perspectiva que ofrecen las últimas décadas, el arte público ha planteado nuevas propuestas que introducen el hecho urbano como una parte inseparable de su estar en el mundo. Este estar en el mundo afecta al modo como se ofrece a sí mismo, a la posibilidad de continuar generando vías de conexión entre los entramados públicos, y por lo tanto políticos, y su vinculación al contexto artístico, tanto de manera sutil y tangencial evitando un posicionamiento explícito, como palpable, en tanto que el arte siempre que se muestra es político. Pensarse como arte por un lado, pero surgiendo de, o generándose a partir de las cosas que ocurren en las calles, por otro, es el reto al que siempre se ha enfrentado, sin por ello dejar de ser lo primero y comportarse, por su contexto natural, también como lo segundo.

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